„30 de americani”: un studiu provocator al identității

În orice moment în această țară, există muzee, galerii, centre de artă spectacolului, societăți de film, grupuri de teatru și cluburi de carte, toate axate pe munca artistică a unor oameni care au ceva în comun: rasă, gen, religie, identitate sexuală. Și presupunerea este aproape întotdeauna aceeași: oamenii care seamănă demografic într-un fel trebuie să producă opere de artă cu ceva în comun.

30 de americani, o expoziție de artă realizată de afro-americani la Galeria de Artă Corcoran, este o altă expoziție de acest fel și împărtășește în mod necesar confuzia ideologică a majorității celorlalți. Extras din exploatațiile private extinse ale colecției familiei Rubell, 30 de americani este o versiune mai mică a unui spectacol montat pentru prima dată la casa/muzeul/centrul de artă al familiei Rubell din Miami la sfârșitul anului 2008 și începutul lui 2009. Titlul, identificând cei 31 de artiști reprezentați. ca pur și simplu 30 de americani, sugerează inteligent confuzia inevitabil conținută în acestea: artiștii aparțin unui grup coerent, este un grup care poate fi identificat după rasă sau culoarea pielii și este aceasta o categorie eliberatoare, restrictivă sau pur și simplu ineluctabilă? ?

câți ani are Jackie Collins

Expoziția ajunge la Corcoran la puțin mai mult de 18 luni după ce muzeul a anunțat că a vândut școala Randall, o proprietate din sud-vestul Washingtonului, unui parteneriat care îi include pe Don și Mera Rubell, care au anunțat planuri de reamenajare a proprietății ca muzeu. si complex hotelier. Așadar, există două probleme care bântuie acest spectacol - premisa sa este problematică și are aspectul, cel puțin, de a fi un conflict de interese.



Prima problemă este într-adevăr substanțială, dar cel puțin a fost abordată. Aproape fiecare lucrare expusă este, într-un fel, un argument cu principiul de bază de organizare al expoziției. Departe de a fi simple exemple de artă afro-americană, lucrările a 30 de americani variază de la parodii ale acestei idei până la confruntări directe cu eforturile de a clasifica, defini și conține identitatea rasială.

Două dintre cele mai somptuoase din punct de vedere vizual, pictura murală cu siluetă a lui Kara Walker din 1998, Camptown Ladies și pictura în ulei la scară largă din 2008, a lui Kehinde Wiley, Sleep, evidențiază multe dintre strategiile de bază. Decupajele de hârtie ale lui Walker înfățișează figuri stereotipe afro-americane, încă îmbrăcate ca în sudul sclaviei sau al Reconstrucției, dansând peste un perete alb în orgii ciudate de erotism și violență. Spre deosebire de artiștii generațiilor anterioare, care au căutat portrete demne ale vieții afro-americane și au luptat pentru a răscumpăra categorii de identitate rasială, Walker îmbrățișează ceea ce este mai rău, îl pune în mișcare, îl face frumos și invită spectatorul să fie sedus, distrat și în cele din urmă îngrozit. la spectacol. Există o speranță implicită că aceste figuri de menestrel vor dansa până la moarte, punând la loc o invenție a rasismului alb.

Picturile baroc ale lui Wiley, în care bărbații afro-americani contemporani sunt interpolați în pânze somptuos de detaliate și meticulos pictate care fac referire la unele dintre cele mai teatrale picturi din canonul alb occidental, sugerează dorința de a naviga deasupra istoriei complicate a identității rasiale, parodiând, împrumutarea și subvertirea după bunul plac.

Walker, Wiley și unii dintre artiștii mai tineri din expoziție au fost uneori adunați împreună, ca reprezentând un refuz din zilele din urmă de a participa la o estetică care consideră negrul de la sine înțeles, ca o categorie semnificativă, coerentă și celebrativă. Ei vin după toate acestea, după Mișcarea Artelor Negre din anii ’60 și ’70, cu temele ei de solidaritate și mândrie. Ei analizează, interpretează și joacă jocuri cu idei despre rasă pe care le-au găsit în lume, mai degrabă decât să încerce să trăiască prin artă o noțiune îndoielnică, idealizată de rasă.

Expoziția se întoarce la figurile artistice care sunt acum considerate bătrâni canonici printre mulți artiști afro-americani, inclusiv Robert Colescott și Jean-Michel Basquiat. Diversitatea artei expuse a necesitat un fel de principiu de organizare, iar curatorii expoziției Corcoran au folosit aceste figuri mai în vârstă (Basquiat a murit la 27 de ani, dar asta a fost acum mai bine de 20 de ani) pentru a ancora diferite săli cu teme generale largi, cum ar fi povestirea sau identitatea urbană. Aceste conexiuni nu sunt ușor evidente din lucrarea în sine și nici istoria intelectuală complicată (exploratată în catalog) a modului în care a fost conceptualizată rasa în ultimul secol sau mai mult.

Și așa ai două opțiuni la expoziție. Una implică forțarea artei să reprezinte sau să ilustreze altceva, construcția intelectuală a rasei, în care afro-americanii au încercat să-și păstreze individualitatea în timp ce participă sau rezistă la o identitate colectivă pe care o pot simți sau nu este propria lor invenție. Dacă urmezi această cale, fiecare lucrare pare să fie despre a vorbi în două sau mai multe voci, a purta măști sau a-ți dezvălui sine, a crea semnificații private care rezistă lumii exterioare sau a amesteca ideile vizuale și rasiale în propriul tău elixir perfect de identitate.

cea mai tânără vârstă de căsătorie din noi

Celălalt este de a lăsa deoparte acea istorie, cu răsturnările ei încurcate, refuzurile sale maniacale de a fi negru sau eforturile zadarnice de a redefini ceea ce înseamnă negrul, acceptarea sa curajoasă sau rezistența sfidătoare la determinismul social și pur și simplu să te bucuri de opera ca artă. Și dacă urmezi acest drum, expoziția pare un album sălbatic de material vizual neînrudit și discordant.

Nici nu este satisfăcător și nici corect pentru artiștii implicați. Simțiți de la majoritatea artiștilor că sunt foarte conștienți de paradox, că știu foarte bine cât de mult participă lumea artei la aceleași eforturi de a clasifica, reduce, marca și comercializa identitatea rasială ca lumea în general. În cele din urmă, lucrarea care contează, care supraviețuiește jocului complicat de a face o expoziție despre rasă, când toată lumea recunoaște că nu există un acord cu privire la ceea ce înseamnă sau ar trebui să însemne rasa, este lucrarea care rezistă până la capăt, care refuză să participa, care poartă o urmă finală a ceva elemental uman, orice înseamnă asta.

Untitled, 2005 al lui Rodney McMillian este un covor mare, cândva alb, atârnat pe perete. Este murdară, pătată, decolorată și uzată. Un covor alb este o declarație de aspirație, la o viață ordonată, elegantă. Un covor alb murdar este ca o bucată de film, deși și mai sensibil, înregistrând impresia directă a timpului, a sărăciei și a disperării. McMillian’s Untitled este un remarcabil puternic și o excepție de la multele lucrări mai tehnic și mai strălucitoare din punct de vedere vizual din expoziție. Este simplu, poetic și bântuitor și permite artistului și oamenilor care au făcut arta - oamenii care au murdărit covorul - să dispară în timp ce lasă urme mai evocatoare decât multe picturi reprezentative.

Și asta ridică problema celei de-a doua probleme cu 30 de americani, apariția unui conflict de interese în prezentarea unei colecții private la un muzeu proeminent, mai ales atunci când a avut loc o tranzacție financiară între părți. Este aceasta o contrapartidă între Corcoran și Rubell care servește la creșterea valorii unei colecții private?

Soții Rubell au negat categoric orice quid pro quo, iar Kristin Guiter, purtătoarea de cuvânt a lui Corcoran, spune că cei doi nu au nicio legătură. Discuția despre spectacolul 30 de americani a început cu mult înainte de orice plan de vânzare a școlii Randall, spune ea.

Câteva lucruri militează împotriva unei viziuni cinice a întrebării. În primul rând, lucrarea expusă este importantă și trebuie văzută. În al doilea rând, Rubel aduc probabil mai mult prestigiu relației decât Corcoran, care a fost afectat de gestionarea financiară și instituțională defectuoasă în ultimul deceniu. În al treilea rând, muzeele ar exista cu greu fără să atragă favoarea colecționarilor privați.

Locuri de muncă de 15 USD lângă mine

Dar McMillian’s Untitled demonstrează de ce nu ar trebui să fie niciodată blamată nici măcar de apariția unui conflict de interese în lumea muzeelor. La urma urmei, este doar un covor. Statutul său ca artă depinde în întregime de o convenție socială: că circulă în lumea artei ca artă. Acesta este un mod frustrant de a defini arta, dar este singurul pe care îl avem. Când oamenii care studiază arta, colecționează artă, conservă artă și prezintă artă sunt de acord că ceva este artă, prin definiție devine artă.

Colectorii sunt o parte a acestei ecuații. Dar o parte mai importantă, mai substanțială și mai esențială a ecuației este aparatul intelectual al lumii artei, funcția critică și curatorială, care nu are niciun interes personal dacă este doar un covor sau o operă de artă care folosește un covor ca material. .

Dacă există un pericol între relația prea strânsă dintre muzee și colecționari, acesta este la acest orizont îndepărtat al lumii artei, unde oamenii se întreabă în mod legitim dacă este cu adevărat artă? Chiar spune ceva? Acestea sunt întrebări esențiale, pe care orice persoană inteligentă le va simți în picioare în fața unei lucrări precum McMillian’s Untitled.

Un muzeu respectabil are autoritatea intelectuală de a cere vizitatorilor săi să facă ceva remarcabil, periculos și palpitant: Acceptați un covor murdar ca artă. Dacă poți face asta, există o recompensă enormă. Covorul lui McMillian sparge chinul intelectual al a 30 de americani, senzația că atât de mulți artiști fug de ceva ce nu au cerut niciodată să fie. Ne reamintește că cea mai mare artă nu ține niciodată de valoarea obiectului, ci mai degrabă de puterea acestuia de a forța sentimentele la suprafață, de a evoca acte de empatie, de a angaja curente de gândire.

Este mult să ceri oamenilor, să accepți un covor ca artă. Motiv pentru care autoritatea curatorială a unui muzeu nu ar trebui să fie niciodată compromisă, chiar și prin aparența de a avea o relație poate prea strânsă cu colecționarii.

30 de americani

la Galeria de Artă Corcoran până în februarie 2012. Pentru informații despre orele, locația și intrarea, vizitați www.corcorcan.org.